Cuestiona el diseño

Es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.

Es una nueva palabra que redefine las cosas que tocan y traen emoción la vida cotidiana, a través de la función y la belleza. A lo largo de los últimos años, los límites entre el diseño y el arte se han ido traspasando, y las obras que superan esos límites han creado un movimiento internacional. Sin embargo, para salvar las industrias tradicionales en todo el mundo, se ha hecho notar la necesidad de aclarar la identidad de estos movimientos a través del diseño o el arte, y enviar esta información a las personas que estén interesadas en una “Emoción”.
Se centra en el diseño de piezas de edición ilimitada, que básicamente se exponen y venden en galerías de arte, para difundir y compartir este asombroso concepto. Se plantea esa dicotomía del mundo del diseño entre estética y funcionalidad, arte y diseño.

Los recursos del mundo son limitados. Entonces, ¿qué hacer como diseñador? ¿Cómo seguir celebrando la pura alegría de la fabricación y la artesanía sin tener que gastar las preciosas materias primas del planeta? 'Pallet Thief' es la respuesta de Anton Brunberg.
Calculó que hay unos seis mil millones de palets en circulación en todo el mundo. La mayoría están hechos de madera. Cada año, el uno por ciento de esos palés llegan al final de su vida útil o se pierden. Al aprovechar este suministro industrial global, Anton ha encontrado su propio recurso natural, que le proporciona todos los materiales que necesita. A través del humilde jergón, puede seguir haciendo lo que ama con la conciencia limpia.

Es un diseñador de Suecia, con experiencia en carpintería fina y diseño de muebles de Carl Malmstens Cappelagården en Öland, Suecia. Y también en estudios de diseño conceptual en Design Academy Eindhoven, Holanda.

Actualmente vive en Eindhoven, Holanda.

OBRA DE ARTE CON MOBILIARIO

Esta colección del diseñador argentino Pablo Reinoso, cae dentro de lo denominado como arte-objeto, y tiene la particular característica, como casi todo arte-objeto, de ser útil a la vez que decorativa.

Es un artista y diseñador
argentino-francés que trabaja en París desde 1978.
Fue introducido a la carpintería por su abuelo francés. Hizo su primera silla cuando tenía seis años. Continuó sus estudios de Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires y comenzó una carrera en comunicación y diseño.

Una reinvención del clásico banco en la que el mueble queda vinculado de forma magistral con el espacio donde se sitúa, mediante una prolongación de sus raíces que remite a la naturaleza en estado puro. Quizá alguna de ellas siga creciendo descontroladamente hasta no sabemos donde, como si de una enredadera que se abraza a la pared se tratara.

ESTUDIO DE DISEÑO NACIONAL

Es un estudio de diseño gráfico con más de 7 años de experiencia profesional en el desarrollo de proyectos de branding, diseño audiovisual, editoriales e impresos para clientes nacionales e internacionales.
Su prioridad es crear conceptos, narraciones y estrategias que encaminen al desarrollo de proyectos innovadores.
Han tenido la oportunidad de trabajar para la industria del cine, la televisión, eventos, pequeñas y grandes empresas, editores independientes, grupos musicales, restaurantes y organizaciones sin ánimo de lucro.

Juan. S Martínez
FUNDADOR

Juliana Lopéz
SOCIA

DISEÑO GANADOR DE UN BIENAL DE DISEÑO

La Bienal Iberoamericana de Diseño (BID), organizada por la Fundación Diseño Madrid, tiene lugar cada dos años en la Central de Diseño de Matadero Madrid, centro de creación contemporánea promovido por el Área de Gobierno de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Madrid, y es la cita más importante del diseño contemporáneo iberoamericano.

País: Chile

Categoría: Diseño gráfico y comunicación visual

Autor/es: Ismael Prieto, Josefina Bunster, Florencia García de la Huerta

Estudio: DEO

Web del estudio: https://www.deo.cl/

Cliente: Tomas Yañez

Descripción del proyecto:

Propuesta de nombre, concepto y etiqueta para Iñor, un vino de cepa País de más de 120 años de antigüedad. El proyecto busca rescatar esta cepa, fuertemente ligada a la historia vitivinícola de Chile. La etiqueta -inspirada en los manuscritos- relata de manera sencilla y elegante los diversos elementos del proyecto que lo vuelven particular: un campo totalmente perdido en el tiempo, generaciones de campesinos que cuidan los viñedos, un productor que tras 40 años retoma la producción y un enólogo que da elegancia a esta cepa rústica, entre otros elementos. Así, el nombre Iñor -que es la abreviatura de señor en el lenguaje coloquial del campesino- representa la nobleza, antigüedad y tradición del campo chileno.

Perfil del estudio: Deo es un estudio de diseño chileno, creado por Josefina Bunster e Ismael Prieto en 2013. Su nombre, inspirado en el acrónimo de “Denominación de Origen”, conjuga el interés de sus fundadores por el diseño original y de calidad, junto con la intención de agregar valor a los emprendedores e industrias tanto en Chile como en el exterior.

OBRA GANADORA DE BIENAL DE ARTE CONTEMPORANEO

Los argentinos:
José Alfonso Sael y Ezequiel Cafaro

José Alfonso Sae: Multidisciplinario artista visual y diseñador gráfico autodidacta nacido en la ciudad de Mar del Plata, Argentina. Su trabajo abarca múltiples formas artísticas: desde ilustración, diseño gráfico, intervenciones urbanas, murales, esculturas, arte público e instalaciones experimentales. Su trabajo forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Argentina.

Ezequiel Cafaro: Diseñador gráfico independiente especializado en Diseño Editorial y Desarrollos para la Web. Tiene más de 18 años de docencia en Diseño Gráfico Editorial y Tipografía en la Universidad de Buenos Aires. Especialista en diseño de libros para varias editoriales.

La obra que identificará a la Bienal durante toda su historia.
Los trabajos incluyeron diversas piezas de identidad visual como el diseño de los identificadores básicos (isotipo, logotipo o isologotipo, paleta cromática y tipográfica y demás constantes gráficas de la identidad) y el de sus principales aplicaciones.

La bienal con identidad propia

DISEÑO CON MENOS DE UN AÑO DE ANTIGÜEDAD

El tema elegido para Madrid Gráfica en 2020 es el de la Nueva Normalidad tras la crisis del Covid-19. Y Covid Exit el lema inspirador, el contenido obligado y textual para los carteles expuestos. Así, esta exposición recoge una selección de carteles diseñados y creados por artistas iberoamericanos que con su particular visión responderán a las numerosas preguntas esenciales surgidas en el transcurso de esta pandemia y que afectan a buena parte de las grandes certezas sobre las que está organizada nuestra vida política, nuestra actividad económica, y nuestra sociedad.

La grave crisis humana y sanitaria provocada por el coronavirus, y la interrupción forzosa de toda la actividad económica y social en el mundo, ha puesto contra las cuerdas a gobiernos, instituciones, científicos y empresas y se ha convertido en un revulsivo global que deja tras de sí, además de millones de contagiados y cientos de miles de muertos, numerosas preguntas esenciales que reclaman respuesta, y que afectan a buena parte de las grandes certezas sobre las que está organizada nuestra vida política, nuestra actividad económica, y nuestra sociedad misma.

DISEÑO CON MÁS DE CIEN AÑOS DE ANTIGÜEDAD

Los responsables de este cartel son ESTUDIO PASE en Argentina.

Este cartel, impreso por J. Thomas, en Barcelona, en el año 1900, fue realizado por el pintor catalán Ramón Casas i Carbó por encargo del Sanatorio para sifilíticos del doctor Abreu, sito en el número 74 de la calle Mayor de la Bonanova, de esa misma ciudad. Una clínica dedicada al tratamiento de la sífilis, en una época en que todavía no se conocía la arsfenamina (un compuesto de arsénico), el medicamento descubierto por Paul Ehrlich, que vino a revolucionar el tratamiento de la enfermedad desde que fue comercializado

El cartel está dividido en tres partes. Consta de un título en la zona superior, una imagen de una mujer en el centro y una leyenda en la zona inferior, donde se ofrecen los datos de la clínica que se publicita ('curación absoluta y radical en el Sanatorio para sifilíticos...').
La S de sífilis [todas las "s", en realidad, que aparecen en el cartel] recuerda la forma de una serpiente. Ello alude a la peligrosidad de la enfermedad, que acecha venenosa desde los rincones más oscuros. No hay que olvidar que en aquella época [en Barcelona] se transmitía sobre todo por el contacto con las prostitutas que trabajaban cerca del puerto. En el centro aparece una mujer con mantón de Manila, similar a las atractivas 'chulas' de los carteles de la época, como la del Anís del Mono (realizado por el mismo Casas). Sin embargo, se diferencia de ellas en que no aparece tan hermosa, sino pálida y desmejorada, con la maraña de pelo despeinado y la delgadez anémica apenas cubierta. Es un fiel retrato de la enfermedad, que consume a quien la sufre. Sostiene en su mano un lirio blanco, que simboliza la esperanza de la curación. El árido panorama de esta mujer enferma, verdadera personificación de la enfermedad, se completa con un fondo neutro de color anaranjado que potencia la sensación de palidez demacrada y debilidad de la protagonista.

DISEÑO DE INDUMENTARIA

Es un diseñador estadounidense de numerosos modelos de calzado deportivo Nike como por ejemplo. las primeras zapatillas de " entrenamiento cruzado " del mundo, las Nike Air Trainer.
Hatfield supervisa la " Cocina de innovación " de Nike . Es el vicepresidente de diseño y proyectos especiales de Nike. Por sus muchos diseños innovadores y numerosas creaciones durante más de tres décadas, Hatfield es considerado una leyenda del diseño.

En 1989,se le pidió al diseñador de Nike Inc. , Tinker Hatfield, que creara un zapato para la segunda entrega de la serie, que se ambienta en parte en el entonces futurista año 2015. El zapato tenía características que incluían paneles iluminados y autocierre. cordones

Más de 15 años después, una petición en línea que pedía la devolución de los zapatos llamó la atención de Tinker Hatfield. Él y la innovadora de calzado Tiffany Beers (diseñadora de la línea de zapatillas Nike Kyrie ) trabajaron en el rediseño durante aproximadamente seis años y tuvieron que reiniciar unas tres veces. Después de miles de horas de trabajo, las zapatillas eran una réplica de las Nike MAG de 1989 que llevaba Marty McFly . Los zapatos cuentan con una suela electroluminiscente , materiales de la era espacial y una batería interna recargable que dura 3.000 horas. Son el primer par de calzado recargable fabricado por Nike . Los cordones eléctricos, una característica destacada del zapato en la película, no están presentes.

Mientras Tinker Hatfield trabajaba con Nike, según su investigación, los atletas de baloncesto se lastimaban los pies al atarse los zapatos demasiado apretados en sus juegos dentro y fuera de la cancha. Se preguntó si habría una forma de eliminar eso, hacer un zapato que se encajara automáticamente para ajustarse específicamente a su pie. Fue entonces cuando comenzó a trabajar en una tecnología de autoajuste que más tarde se denominó EARL (Electro Adaptive Reactive Lacing). Cuando se desarrolló la tecnología, originalmente iban a lanzarla primero en una zapatilla de baloncesto. Sin embargo, Tinker Hatfield terminó poniéndolo en la Nike Mag para cumplir el deseo del público.
Luego, el 21 de octubre de 2015, que es la misma fecha en que Marty McFly visitó el futuro en Regreso al futuro II., Nike presentó una versión autoadhesiva de Nike Mag que estaba programada para salir a la venta el 20 de marzo de 2016.
El lanzamiento se retrasó hasta el 4 de octubre de 2016. Michael J. Fox fue el primero en obtener las zapatillas de Nike en octubre de 2015. El 4 de octubre de 2016 Nike abrió una rifa para la Nike Mag donde cualquiera podía comprar un boleto por $ 10 (entradas ilimitadas), pero la rifa se limitó a 89 pares. Todas las ganancias se donarían a la investigación de Parkinson. Nike recaudó $ 6.75 millones adicionales para la Fundación Michael J. Fox para la Investigación del Parkinson.

Columna para la revista New York Times

Mis hijos creen que pueden ocultarme su consumo de dulces. Pero no reconocen mi ventaja táctica: me confunden con un adulto ignorante, cuando en realidad soy un eterno preadolescente. Mi relación con los dulces apenas ha cambiado desde que tenía su edad. Sí, ahora puedo comer dulces con menos frecuencia. Pero una vez que comienzo, surge una coreografía precisa.

Las crónicas del oso Gummi

Es artista, autor y animador. Su trabajo aparece regularmente en las portadas de The New Yorker , National Geographic y The New York Times Magazine . El arte de Christoph Niemann ha sido objeto de numerosas retrospectivas en museos . Ha dibujado en vivo desde la Bienal de Arte de Venecia , los Juegos Olímpicos de Londres, y ha esbozado el Maratón de la ciudad de Nueva York, mientras lo ejecuta . Creó la primera portada de realidad aumentada de The New Yorker, así como una animación de realidad virtual de 360 grados dibujada a mano para la edición del US Open de la revista. Los clientes incluyen a Hermés, Google, LAMY y El Museo de Arte Moderno .

Christoph Niemann (1970)

Es un fotógrafo británico de ascendencia griega conocido por sus característicos retratos de líderes mundiales, personalidades y reportajes sociales.
Sus fotografías, en blanco y negro o color, son en general tomadas con un objetivo angular desde muy cerca -jugando con la perspectiva y la ligera deformación del angular- y con la mirada del protagonista clavada en la cámara, lo que genera una fuerza y una tensión que, sumado a la gran relevancia de sus modelos, hace de sus fotografías una fórmula casi icónica.

Aunque su trabajo abarca reportajes sociales, paisajes o incluso fotoperiodismo, Platon es conocido principalmente por los retratos de los grandes líderes mundiales, enfocados en la cabeza y centrados en la mirada, como si de un excepcional fotomatón se tratara.
Objetivo angular y muy cerca:
Platón utilizada una cámara de formato medio con un 35mm, lo que le permite acercase mucho a sus retratados y jugar con una perspectiva exagerada que aumenta el tamaño de los ojos, la nariz y la boca pero alejando las orejas y el resto de elementos.
Sujeto mira a la cámara:
Sus retratados son personalidades de una relevancia tremenda, rostros que ya hemos visto una y mil veces y que además nos miran muy fijamente. Resulta muy difícil dejar de mirar un retrato de Platón.
Reducirlo al mínimo:
A diferencia de otros retratistas, Platón no dispone un complejo escenario ni esconde al retratado bajo una montaña de atrezo. Lo muestra tal cual es, juando con sus manos, sus ojos y su cuerpo, bajo fondos blancos o negros, reduciendo todo a la mínima expresión para conseguir el mayor impacto.

El diseño web open source es aquel que se basa, e incluso se desarrolla, utilizando software de código abierto. El diseño web open source ofrece las siguientes ventajas:

1. Acceso a cualquier parte del sitio web, ya que se dispone de todo el código fuente.
2. La más amplia comunidad de desarrolladores mantienen y mejoran constantemente cada componente.
3. Al estar libre de condicionantes comerciales, el producto se hace a conciencia, y basándose plenamente en estándares.
4. El software libre es conocido por muchos profesionales, permitiendo así la libertad de elección de la empresa proveedora

Es una herramienta de diseño multiplataforma para el siglo XXI que permite a todos diseñar.

Gravit designer es una aplicación de diseño de gráficos vectoriales gratuita y multiplataforma, lo cual nos permite poder utilizarla en Windows, Mac OS, Linux e inclusive en Chrome OS, además de ello esta aplicación cuenta con una versión web la cual nos permite poder usar la aplicación desde cualquier navegador web actual.

El programa tiene una precisión sin igual en cualquier unidad (Píxeles, MM, CM, etc.) desde la creación del trabajo hasta la exportación de este.

Gravit designer ofrece muchas características y diseños automáticos realizados para proyectos perfectos en píxeles, así como varios rellenos, bordes, efectos, y modos de mezcla, junto con los estilos compartidos.

OBRA DE ARTE QUE ME INSPIRE PERSONALMENTE

Es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida. Es un óleo con laminillas de oro y estaño sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.1

Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos sobre un fondo dorado. Está expuesta en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena. Normalmente las obras de Klimt creaban escándalos y eran criticadas como "pornografía" y por ser "excesivamente pervertidas". Las obras pusieron a Klimt como un "enfant terrible" por sus opiniones anti-autoritarias y anti-populistas sobre el arte. Él escribió: "Si no se puede complacer a todo el mundo con sus obras y su arte, por favor complace a unos pocos".2 Por el contrario, El beso fue recibida con entusiasmo, y de inmediato encontró un comprador.

Fue un pintor simbolista austriaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.
Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres.